Inspiriert von „Bernarda Albas Haus. Tragödie von den Frauen in den Dörfern Spaniens“ des andalusischen Autors Federico García Lorca macht „ELLAS“ die Mechanismen der Objektivierung & Ausbeutung des weiblichen Körpers sichtbar und zeigt Wege seiner Wiederaneignung & Befreiung durch den Tanz. Das tanzhaus ahrbergviertel wird dabei zu einem lebendigen, wandelbaren Element der Performance. Die drei Performer*innen initiieren in diesem geschlossenen sozialen Raum mittels ihrer Körper, Bewegungen, Sounds & Stimmen Aktionen des Widerstands. Die Choreographie zielt darauf, dem Körper sein Vermögen zurückzugeben, berührt zu werden und zu berühren, bewegt zu werden und zu bewegen. Dieses Befreiungsspotential des Tanzes will „ELLAS“ ausloten, um einen offenen inklusiven Raum zu schaffen, der die Vielfalt menschlicher Identitäten respektiert und Bezogenheit ermöglicht.

Publikumsgespräche & Opening Acts!

Neben den Vorstellungen wird es Publikumsgespräche im Anschluss an die Premiere und Dernière sowie Opening Acts vor den September- und Oktobervorstellungen geben:

Publikumsgespräch mit Choreographin und Ensemble

Am 16. August (Premiere) und 22. November 2024 (Dernière) lädt das mónica garcía vicente DANCE PROJECT alle Zuschauer*innen und Interessierte in einem Nachgespräch mit Mónica García Vicente und ihrem Ensemble ein, über das Stück zu sprechen. Dauer ca. 30 Min.

Opening Act by CDC dancers 

Was ist ein Opening Act?
Künstler*innen, die vor dem Haupt-Act auftreten.

Die Idee zum Opening Act ist durch das Connection Dance Center (CDC) von Mónica García Vicente entstanden. Vier Tänzerinnen aus dem CDC 2024 haben die Möglichkeit, ihre eigene Interpretation des choreografischen Prozesses von „ELLAS“ auf die Bühne zu bringen.

Was ist das CDC?
Das CDC ist ein jährlich stattfindendes mehrmonatiges Projekt, in dem Nachwuchs-Tänzer*innen die Chance haben, professionelle Erfahrungen in der Tanzwelt unter dem Blick der Choreographin Mónica García Vicente zu sammeln.

Besetzung: Rama Al Aisami, Jacqueline Grothey, Lena Steinhuber, Ulrike Zeuner

18:30 Uhr  Opening Act by CDC dancers
19:00 Uhr  Pause
19:30 Uhr  Haupt-Act: ELLAS

    „Giselle“ gilt als Meisterwerk des klassischen Balletts. Entstanden in der Epoche der Frühromantik gehört es heute immer noch zum Repertoire. Wie in anderen Balletten dieser Zeit erscheint die titelgebende weibliche Figur, in die sich der männliche, nicht standesgemäße Protagonist verliebt, als geschlechtsloses, tugendhaftes, unschuldiges und abhängiges Wesen. Dieses Bild entspricht freilich eher den zeitgenössischen Männerfantasien und patriarchalen Weiblichkeitsidealen als den Lebenswirklichkeiten der Frauen und Tänzerinnen im 19. Jahrhundert.

    „I am [not] Giselle“ ist ein choreografisches Experiment auf der Suche nach der realen Frau im romantischen und zeitgenössischen Ballett. Die beiden Tänzerinnen verkörpern dabei die vielschichtigen und widersprüchlichen Aspekte von Frausein und Weiblichkeit: auf, hinter und jenseits der Bühne. Sie erforschen eigene und auf sie projizierte Sehnsüchte und Leidenschaften, Zustände von Abhängigkeit und Autonomie, den eigenen Körper als voyeuristisches Schauobjekt und Subjekt der weiblichen Lust. Choreographie, musikalische Komposition, Kostüm und Szenographie erschaffen eine Ästhetik und ausdrucksstarke Formsprache der Selbsterforschung, nicht zuletzt um Giselle als realer, komplexer Frau eine Bühne zu geben.

Der Tanz selbst mit „I am [not] Giselle“

„HAMELN. Premiere, Uraufführung und das Modellprojekt ‚SPOTTED‘ am Donnerstagabend im Theater auf der Bühne (TAB) so eigenwillig wie furios mit ‚I am [not] Giselle‘ gestartet.

‚Die Wilis‘ – dieses fantastische Ballett längst vergangener Tanz-Tage radikal verändert und das so überbordend Romantische an vertrauten Realitäten gemessen. Not Giselle. Zwei Frauen – ganz nah am Publikum. Geräuschkulisse – Bahnhofssound. Metapher für Nähe und Ferne. Und ‚Giselle‘, diese rührende Liebesgeschichte des klassischen Balletts reduziert auf Tanz. Bewegung und Tanz selbst als Ausdrucksform.

Befindlichkeiten und die Lust am Ausprobieren, Wirkungen, Posen. Sich und den eigenen Körper erfahren. Zwei Frauen im Spiel mit sich selbst versunken. Begegnungen. Schauobjekte – Rollenspiele und private Momente. Außensicht und Innenschau. Was die Choreografie von Mónica García Vicente so spannend macht: Die Tanzleidenschaft und Fantasie, mit der hier neue Ausdrucksformen gesucht werden. Der Spagat zwischen Rolle und Frau sein und die Rolle der Frau immer neu gespiegelt, auch gegen alte Rollenbilder. Und sie lassen sich Zeit – geben sich Zeit. Entwickeln, Bewegungen, ruhig fließend, die immer wieder übergangslos in einer Art verzweifeltem Veitstanz münden.

Spiel mit wenigen Requisiten. Zwei Matten – die als Wasserwand ‚bis zum Hals stehen‘ –, die beiden Frauen überspülen, wegspülen. Zu einer einzigen werden lassen im Austausch. Sich vertauschen. Grandios das Spiel mit dem gewaltigen Schleier-Zitat aus dem Reich der Wilis mit Myrtha und ihrem wehenden Gewand und Regen als eigenwilliger Sound. Und der Schleier als überdimensionales Handtuch. So rührend wie hilflos dieses Abtrocknen als so andere Form der Sozialisation. Gleichermaßen fremd und vertraut. Fast so etwas wie ein Happy End – ganz nah, die beiden so solitären Figuren, die zu einer Einheit verschmelzen.

Für Laura García Aguilera musste kurzfristig Bettina Paletta einspringen, expressiver in ihren Bewegungen als Camilla Matteucci, die immer wieder mit spontanen Soli überrascht, scheinbar leichter auch, wenn sie sich im Applaus sonnt. Ein bisschen Kain und Abel assoziiert. Lichtgestalt die eine, die sich immer auch als Schauobjekt inszeniert – die andere, die mit sich kämpft.
Beeeindruckende Leistungen von beiden – getragen von einer Choreografie, die sich fantasievoll verspielt, nichts wirklich will. Bis auf eines: den Tanz selbst.“ von Richard Peter

    Beim Open-Stage-Format von TanzSichten in der Kunsthalle Faust/Hannover haben wir ein Stück aus ,,I am [not] Giselle“ gezeigt. Laura konnte an dem Tag aufgrund einer Verletzung nicht auftreten und so hat Camilla ,,mit“ dem an die Wand projizierten Video der Performance ihren Part getanzt.

    Die Tanzperformance Mary Frankenstein ist eine künstlerische Auseinandersetzung mit den vielschichtigen und widersprüch­lichen Facetten des Menschlichen und Monströsen. Die Cho­reo­graphie begibt sich auf die Suche nach einer Ästhetik und Tanzsprache des Monsters als das „eingeschlossene Ausgeschlossene“ und hinterfragt unsere Konzepte von Normalität und Ordnung, von Menschlichkeit und Menschsein sowie unseren Umgang mit dem Verdrängten und Fremden in uns und unserer Gesellschaft.

    Bezugsperson ist dabei die Autorin des Frankenstein-Romans, Mary Shelley, die in unserer Tanzperformance Mary Frankenstein mit ihren beiden literarischen Geschöpfen, dem egomanen Wissenschaftler Viktor Frankenstein und seinem „Monster“, zu einer Einheit verschmilzt.

    Die Tanzinstallation mit dem Untertitel „Making Monsters“ zeigt poetische Bilder des Monströsen und fragt nach seinen Ursprüngen und Entstehungsbedingungen.

An drei Stationen im Kesselhaus/Hannover wurden zeitgleich drei ­12-minütige Performances gezeigt.

    Im Rahmen von TANZtheater INTERNATIONAL gaben wir beim „Publikumsgeflüster“ (im Ballhof Eins, Hannover) Einblicke in die aktuellen Proben zur Tanzperformance „Mary Frankenstein“.

    Eingeschränkt sein – und trotzdem frei. Unbeweglich im Körper – flexibel im Geist. Die Künstler*innen Jean-Dominique Bauby (Schriftsteller), Ezio Bosso (Komponist) und Frida Kahlo (Malerin) waren jede*r auf eine Art körperlich eingeschränkt und schafften es trotzdem, mithilfe der Kunst aus ihrer Immobilität auszubrechen. Sie bieten mit ihren Biographien, ihrer Kunst und ihrer Kraft die Inspiration und den Ausgangspunkt für die Tanzperformance. 

    “Immobilità” zeigt eine Collage aus Impressionen und Bildern zum Thema körperlicher Einschränkung und dem mobilisierenden Potential der Kunst. Die Tänzer*innen agieren in einer schwarz-weißen Gedankenwelt, aus der sie nicht ausbrechen können. Die Farben der Videoinstallation, die mithilfe aleatorischer Techniken entwickelt wurde, bieten einen bunten Lichtblick. Es entsteht ein Zusammenspiel an Emotionen der inneren Zerrissenheit und Anspannung. Die Abbildung von Schwere und Leichtigkeit unserer Fantasie.

    Auch die ungewisse Zeit der Pandemie hat Einfluss genommen auf den Entstehungsprozess des Stücks, denn sie hat deutlich gemacht, Immobilität können wir auf individueller, gesellschaftlicher, auf physischer oder geistiger Ebene spüren. Und doch können wir Lebensfreude finden in Zeiten der Restriktion und des Stillstands. Die Gewissheit bleibt, egal wie eingeengt wir uns fühlen, unsere Kreativität macht es uns möglich, mobil zu sein.

“Tanz der Menschen und der Buchstaben”

“Mónica García Vicente hat in der Theaterwerkstatt einen großartigen Abend komponiert. […] Sie hat ihre Inszenierung dabei klugerweise in eine Reihe von Miniaturen untergliedert, statt eine große Erzählung zu bieten. Im Zentrum der gut einstündigen Tanzperformance steht also, was Loris Zambon, einer der drei Tänzer gleich zu Anfang heiser und vorsichtig fragend sowohl gegeneinanderstellt, als auch zueinanderkommen lässt, im Sprechen und im Tanzen: Corps et Esprit, Körper und Geist. Der Titel des Abends „Im/Mobilità“ bringt es auf den Punkt. Es geht darum, wie der Kampf des Körpers aussehen kann, wenn der Kopf ihn zwingen will, ins Leben zurückzukehren. […]

Vicente präsentiert ihrem Publikum eine berückende Poetik des Leidens und der Lust am Leben. […] Davon, von Sinnverlust und den Anstrengungen, ihn wiederzufinden, berichtet dieser berührende Abend.” von Frank Kurzhals

“[…] Immobilità ist ambitioniertes Tanztheater. Es sprüht vor Ideenreichtum und Dynamik.

Und: Choreografin Mónica García Vicente […] hat ausgezeichnete Tänzer verpflichten können. Mit Simone Deriu, Loris Zambon und Bettina Paletta gestaltet ein erfahrenes und technisch höchst versiertes Trio den Abend. […]” von Kerstin Hergt

_auf den spuren mary wigmans

    Mit “FORMA” erforschen wir, welches befreiende Potential dem Tanz als Kunstform im 21. Jahrhundert innewohnt. Choreographie, Dramaturgie und musikalische Komposition orientieren sich dabei an Mary Wigmans Konzept vom Instrument gewordenen Körper, der zum Spiegel des inneren emotionalen Erlebnisses wird.

    In “FORMA” wird Mary Wigmans künstlerisches Konzept aktualisiert und erweitert. Ausgehend von der eigenleiblichen Erforschung der Grundemotionen Angst, Wut, Freude, Trauer und Scham – mit kreativen Medien wie dem spontanen Schreiben und Malen an verschiedenen Orten – werden Wege der Befreiung des Körpers aus Domestizierung und Verdinglichung hin zu lebendiger Bewegung und Begegnung gesucht.

„Mónica García Vicente bewegt ihre vier ausgezeichneten Tänzer auf den Spuren einer Legende: Mary Wigman […] großartige Details über eine Welt, die so sehr in Bewegung zu sein scheint, dass viele den Halt verlieren. […]

Dem gesamten Team gelingen in Forma überraschende und überzeugende Bilder.“  von Thomas Kaestle