„Giselle“ gilt als Meisterwerk des klassischen Balletts. Entstanden in der Epoche der Frühromantik gehört es heute immer noch zum Repertoire. Wie in anderen Balletten dieser Zeit erscheint die titelgebende weibliche Figur, in die sich der männliche, nicht standesgemäße Protagonist verliebt, als geschlechtsloses, tugendhaftes, unschuldiges und abhängiges Wesen. Dieses Bild entspricht freilich eher den zeitgenössischen Männerfantasien und patriarchalen Weiblichkeitsidealen als den Lebenswirklichkeiten der Frauen und Tänzerinnen im 19. Jahrhundert.

    „I am [not] Giselle“ ist ein choreografisches Experiment auf der Suche nach der realen Frau im romantischen und zeitgenössischen Ballett. Die beiden Tänzerinnen verkörpern dabei die vielschichtigen und widersprüchlichen Aspekte von Frausein und Weiblichkeit: auf, hinter und jenseits der Bühne. Sie erforschen eigene und auf sie projizierte Sehnsüchte und Leidenschaften, Zustände von Abhängigkeit und Autonomie, den eigenen Körper als voyeuristisches Schauobjekt und Subjekt der weiblichen Lust. Choreographie, musikalische Komposition, Kostüm und Szenographie erschaffen eine Ästhetik und ausdrucksstarke Formsprache der Selbsterforschung, nicht zuletzt um Giselle als realer, komplexer Frau eine Bühne zu geben.

    Beim Open-Stage-Format von TanzSichten in der Kunsthalle Faust/Hannover haben wir ein Stück aus ,,I am [not] Giselle“ gezeigt. Laura konnte an dem Tag aufgrund einer Verletzung nicht auftreten und so hat Camilla ,,mit“ dem an die Wand projizierten Video der Performance ihren Part getanzt.

    Die Tanzperformance Mary Frankenstein ist eine künstlerische Auseinandersetzung mit den vielschichtigen und widersprüch­lichen Facetten des Menschlichen und Monströsen. Die Cho­reo­graphie begibt sich auf die Suche nach einer Ästhetik und Tanzsprache des Monsters als das „eingeschlossene Ausgeschlossene“ und hinterfragt unsere Konzepte von Normalität und Ordnung, von Menschlichkeit und Menschsein sowie unseren Umgang mit dem Verdrängten und Fremden in uns und unserer Gesellschaft.

    Bezugsperson ist dabei die Autorin des Frankenstein-Romans, Mary Shelley, die in unserer Tanzperformance Mary Frankenstein mit ihren beiden literarischen Geschöpfen, dem egomanen Wissenschaftler Viktor Frankenstein und seinem „Monster“, zu einer Einheit verschmilzt.

    Die Tanzinstallation mit dem Untertitel „Making Monsters“ zeigt poetische Bilder des Monströsen und fragt nach seinen Ursprüngen und Entstehungsbedingungen.

An drei Stationen im Kesselhaus/Hannover wurden zeitgleich drei ­12-minütige Performances gezeigt.

    Im Rahmen von TANZtheater INTERNATIONAL gaben wir beim „Publikumsgeflüster“ (im Ballhof Eins, Hannover) Einblicke in die aktuellen Proben zur Tanzperformance „Mary Frankenstein“.

    Eingeschränkt sein – und trotzdem frei. Unbeweglich im Körper – flexibel im Geist. Die Künstler*innen Jean-Dominique Bauby (Schriftsteller), Ezio Bosso (Komponist) und Frida Kahlo (Malerin) waren jede*r auf eine Art körperlich eingeschränkt und schafften es trotzdem, mithilfe der Kunst aus ihrer Immobilität auszubrechen. Sie bieten mit ihren Biographien, ihrer Kunst und ihrer Kraft die Inspiration und den Ausgangspunkt für die Tanzperformance. 

    “Immobilità” zeigt eine Collage aus Impressionen und Bildern zum Thema körperlicher Einschränkung und dem mobilisierenden Potential der Kunst. Die Tänzer*innen agieren in einer schwarz-weißen Gedankenwelt, aus der sie nicht ausbrechen können. Die Farben der Videoinstallation, die mithilfe aleatorischer Techniken entwickelt wurde, bieten einen bunten Lichtblick. Es entsteht ein Zusammenspiel an Emotionen der inneren Zerrissenheit und Anspannung. Die Abbildung von Schwere und Leichtigkeit unserer Fantasie.

    Auch die ungewisse Zeit der Pandemie hat Einfluss genommen auf den Entstehungsprozess des Stücks, denn sie hat deutlich gemacht, Immobilität können wir auf individueller, gesellschaftlicher, auf physischer oder geistiger Ebene spüren. Und doch können wir Lebensfreude finden in Zeiten der Restriktion und des Stillstands. Die Gewissheit bleibt, egal wie eingeengt wir uns fühlen, unsere Kreativität macht es uns möglich, mobil zu sein.

“Tanz der Menschen und der Buchstaben”

“Mónica García Vicente hat in der Theaterwerkstatt einen großartigen Abend komponiert. […] Sie hat ihre Inszenierung dabei klugerweise in eine Reihe von Miniaturen untergliedert, statt eine große Erzählung zu bieten. Im Zentrum der gut einstündigen Tanzperformance steht also, was Loris Zambon, einer der drei Tänzer gleich zu Anfang heiser und vorsichtig fragend sowohl gegeneinanderstellt, als auch zueinanderkommen lässt, im Sprechen und im Tanzen: Corps et Esprit, Körper und Geist. Der Titel des Abends „Im/Mobilità“ bringt es auf den Punkt. Es geht darum, wie der Kampf des Körpers aussehen kann, wenn der Kopf ihn zwingen will, ins Leben zurückzukehren. […]

Vicente präsentiert ihrem Publikum eine berückende Poetik des Leidens und der Lust am Leben. […] Davon, von Sinnverlust und den Anstrengungen, ihn wiederzufinden, berichtet dieser berührende Abend.” von Frank Kurzhals

“[…] Immobilità ist ambitioniertes Tanztheater. Es sprüht vor Ideenreichtum und Dynamik.

Und: Choreografin Mónica García Vicente […] hat ausgezeichnete Tänzer verpflichten können. Mit Simone Deriu, Loris Zambon und Bettina Paletta gestaltet ein erfahrenes und technisch höchst versiertes Trio den Abend. […]” von Kerstin Hergt

_auf den spuren mary wigmans

    Mit “FORMA” erforschen wir, welches befreiende Potential dem Tanz als Kunstform im 21. Jahrhundert innewohnt. Choreographie, Dramaturgie und musikalische Komposition orientieren sich dabei an Mary Wigmans Konzept vom Instrument gewordenen Körper, der zum Spiegel des inneren emotionalen Erlebnisses wird.

    In “FORMA” wird Mary Wigmans künstlerisches Konzept aktualisiert und erweitert. Ausgehend von der eigenleiblichen Erforschung der Grundemotionen Angst, Wut, Freude, Trauer und Scham – mit kreativen Medien wie dem spontanen Schreiben und Malen an verschiedenen Orten – werden Wege der Befreiung des Körpers aus Domestizierung und Verdinglichung hin zu lebendiger Bewegung und Begegnung gesucht.

„Mónica García Vicente bewegt ihre vier ausgezeichneten Tänzer auf den Spuren einer Legende: Mary Wigman […] großartige Details über eine Welt, die so sehr in Bewegung zu sein scheint, dass viele den Halt verlieren. […]

Dem gesamten Team gelingen in Forma überraschende und überzeugende Bilder.“  von Thomas Kaestle

    Drei Solist*innen, drei Choreographien, drei Räume… und eine Komposition. Das Thema: weibliche Schöpferkraft in Kunst, Politik und Wissenschaft. Der Ort: Drei Räume im Lister Turm, auf verschiedenen Ebenen des Gebäudes, in denen zeitgleich die drei achtminütigen Solo-Performances gezeigt werden. Das Publikum bewegt sich von Raum zu Raum, von Ebene zu Ebene und wird gleichsam Teil der Gesamtperformance. Die Choreographie wird zur vermittelnden Instanz zwischen Performer*innen und Publikum, das herausgefordert ist, sich immer wieder neu zu positionieren und Perspektiven jenseits des traditionellen Blicks auf einen Bühnentanz zu suchen.

    Diese ästhetische Erfahrung der Perspektivenvielfalt können die Betrachter*innen des Videos “Move a Performance” in den verschiedenen Körperbildern und -überschneidungen aufspüren und vielleicht sogar nachempfinden.